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临摹与写生对于创作的意义下载_临摹与写生对于创作的意义有哪些(2024年12月测评)

内容来源：东为网络所属栏目：新闻更新日期：2024-12-03

临摹与写生对于创作的意义

画画失去了意义？试试这些方法找回乐趣！撇开技术不谈，你已经考上了美院，这本身就是一个了不起的成就！然而，你现在面临的问题是，似乎失去了对画画的热情和喜欢的感觉，整个人就像一台机器，感觉不到任何意义。你能够画出好看的作品，但觉得好看并没有意义，这让你感到暴躁。你临摹和写生的作品都一模一样，但却觉得毫无意义。创作出来的作品，总觉得与你内心有隔阂，仿佛不是你画的，或者你想画的不是这样的。你弄不清楚到底想画还是不想画，不想画没关系，但有时候你很想画，却无法下笔。这可能与心理问题有关，让你感到痛苦。首先，尝试放松一下，给自己一些时间和空间，不要强迫自己画画。做一些你喜欢的事情，比如散步、听音乐、阅读，或者与朋友和家人交流。这可以帮助你找回内心的平静和乐趣。其次，试着与你的导师或同学交流，看看他们是否有类似的经历，或者他们是如何处理这些问题的。有时候，与他人分享和交流可以带来新的视角和灵感。最后，不要忘记画画本身是一种享受和表达自己的方式。即使你现在感觉不到任何意义，也不要放弃。随着时间的推移，你会找到属于自己的创作灵感和乐趣。加油！𐟎谟’ꀀ

水彩蓝莓元素组合：从照片写生到自由创作重新拿起画笔已经一年多了，大部分时间都在画照片写生，偶尔也会做一些发散练习。有些朋友不太理解照片写生的意义，甚至误以为照片写生就是临摹或抄袭。今天我想聊聊这个话题，仅供参考，大家随意看看就好。照片写生的意义其实在于素材积累。只要你认真画过三遍，这个元素的基本形状、生长结构、光影效果和主要特点你基本就能了然于胸了。在这个基础上进行脱稿创作自由组合，你就有了肌肉记忆，事半功倍。对于我们这些普通人来说，创造的前提就是积累，没有捷径。至于写生和临摹的区别，其实很简单。将实物画成画作就是写生，无论这个实物是现场的还是照片的。写生时，你需要观察光影、质感和体积等实物的根本特质，并用合适的方式和技法表现到纸面上。而临摹则是复制他人的画作，关注的是原作者用了什么笔法和色彩组合来表现描画对象，并进行模仿复刻。自学画画的顺序应该是临摹、写生、创作。先临摹他人画作学习技法，再尝试用自己的理解描画实物，最后抛开所有参考对象自行创作。这条路径虽然笨拙，但适合大部分非天赋型选手，比如我。基于以上观点，我对素材博主开始普遍使用AI出图就很头疼。AI确实是个好东西，但在绘画静物植物素材上的输出目前来说还是漏洞百出。乍一看惊艳，细看与实物的质感天差地别，枝叶胡乱穿插，一棵植物上花叶果根本不是一个物种等现象极为普遍。这类素材对积累过程中的画手有很大误导，建议新手回避。今天的分享是一组蓝莓的元素分拆。

齐白石：临摹是学习传统技法的关键 𐟎芩𝐧™𝧟𓯼Œ这位中国画大师，与胡佩衡先生的友谊始于20世纪20年代。虽然胡佩衡先生比齐白石年轻近30岁，但他们对中国画的热爱让他们结下了深厚的友谊，经常交流和切磋中国画的技艺和理论。这篇文章是对齐白石绘画经验的总结，对学习中国画的人来说，极具启发意义。在1943年，胡佩衡先生向齐白石请教学习绘画的途径。齐白石谈到了临摹、写生与创作的关系，并写下了几句格言： “绘画之道，本为寂寞之道。画家需心境清逸，不慕名利，方可从事于画。见古今人之所长，摹而肖之能不夸；师法有所短，舍之而不诽；然后，再观天地之造化，如此腕底自有鬼神。” 这段话的意思是，绘画是一项清苦的工作，需要辛勤的长期劳动。画家的目的不是为了名利，而是通过画笔表达自己的情感。用齐白石自己的话说，是为了让“自己忧愤之气（指在旧社会）能从笔端涌出矣”。因此，画家首先要安于寂寞，一生热爱艺术，忠于人民。这段对话强调了临摹在学习绘画过程中的重要性。通过临摹古今名家的作品，我们可以学习到他们的技法和理念，从而提升自己的绘画水平。同时，我们也应该学会舍弃那些不足的地方，不诽谤他人，而是尊重他们的创作。最后，我们还需要观察自然和社会的变化，将这些元素融入到自己的创作中，这样才能真正做到“腕底自有鬼神”。这段对话不仅是对齐白石绘画经验的总结，也是对所有学习中国画的人的启示。只有通过不断地学习和实践，我们才能在艺术的道路上走得更远。

少年宫绘画班：慢工出细活在少年宫的绘画班里，老师们有着非常详尽的教学计划，逐步引导孩子们探索艺术的奥秘。𐟎芊由于入学前需要有一定的绘画基础（需要通过面试），很多孩子都是自学或在其他机构学习，缺乏自我构思画面的能力。因此，老师们在第一年的教学中，主要侧重于挖掘孩子的创作潜力、培养他们对画面的构思能力、提高涂画的完整性，以及色彩和线条的运用。𐟖Œ️ 孩子们还需要找到属于自己的绘画风格。这与一些机构的教学方式不同，机构通常有固定的课程主题，每节课结束后，孩子们的画作看起来都差不多。到了第二年，老师们开始布置速写作业，通过写生或临摹，让孩子们画出动物或静物的细节，包括动物的神态和毛发等。𐟐𞊊此外，老师们每周都会布置一幅画的作业。如果想让孩子入学，家长们需要规划出完成这些作业的时间。这也是少年宫教学与机构教学的一大区别。总的来说，选择少年宫学画还是很有意义的，它有一种慢工出细活的感觉。学习画画不是一蹴而就的，孩子们的喜爱和坚持才是最重要的。𐟌Ÿ

格物致知：墨底与颜色的秘密 ### 课前聊天 𐟎芥⨥𚕧š„重要性：墨底不仅仅是背景，它通过分染结构来营造3D感，体现物体的体积和厚度。练习的重要性：完成一幅画需要大量的练习，先从局部开始，积累足够的经验才能画大画。实验调色：尝试不同的调色方法，看看花蓝图绘画的步骤，不断探索新的色彩组合。美育 𐟌ˆ 认识每一条线：画完后，仔细分析每一条线的意义。积累模式：将绘画过程转化为日常积累，实践才能产生知识，慢慢达到知行合一。格物的状态：保持持续的耐心和投入，内化这种模式。研究的心：用心研究，降低成本，分拆执行，反馈经验。塑造自我：每次的成果都会成为种子，反馈给自己，塑造自己的习惯、思维、方法、次序、成果、性格和命运。克服困难：分拆难度，完成作品后会增加自己的信心，相信自己的能力。关注思维模式：关注背后的思维模式和方法论，才能举一反三。底层的品质：注意每天的言行表情，它们都在塑造你。张大千的创作方法：写生、临摹、创作、研究物之理、学习创作的思维过程、多读书、多动手、勾线笔笔洁净、认真严谨、先画复杂大画、先学复杂精细再变简古淡远。墨底与颜色 𐟖Œ️ 分染的遍数：根据画面来调整，不要平均对待，立体感要含蓄。花不染墨底：容易跟叶子分不开，可以用赭石、花青、绿等打底。造型起稿：地图分析、正负形对比、活物是有情绪的姿态。勾线：线的表现力、表达质感和美感、提按韵律、墨色浓淡。染底色：墨底、体积、深度、空间凹凸（结构变化处）。染哪里：感受范本起伏前后。染多少：同样位置遍数叠加后退、重点位置加深刻画。怎么知道染够了：经验，染坏七八次就知道了。好的颜色：生动、稳重、雅致、可玩味，去火气淡雅厚重沉稳。判断颜色：调准为止、局部练习实验。叠加的技巧：慢、淡、用墨罩色添加冷暖、收拾干净、一遍全干再染。覆盖色：白、朱砂、石青、石绿、浓墨（漆烟）、石色叠加可用草色打底，石色可覆盖墨色。墨的运用：墨是中国画的灵魂，懂得墨的浓淡变化、层次变化、墨与不同颜色的组合。勾线的墨：加点水调，用合宜的浓度勾线。

儿童绘画照着画，真的好吗？𐟎芥𞈥䚥�퐥œ襭槔𛤸€段时间后，照着画还能像模像样，但一旦让他们自己创作，就犯难了。其实，绘画中的临摹和模仿是最容易的，也最容易出效果，但这只是学习过程中的手段之一，并不是真实的能力。所以，如果孩子只会照着画，而不能进行主动的创作想象或写生，肯定是有问题的。你可能会有疑问：不会爬就想跑？先学会模仿，慢慢再学会主动想象和表现应该没问题吧？对于成人绘画学习，这种路径也许没问题，因为成人绘画学习往往更多是在一个纵向的技法体系里逐级积累学习，没有基础和技法的支撑，确实也谈不上自由的创造。然而，对于孩子的绘画学习却不是这么回事。首先，我们让孩子参与绘画活动和学习的主要目的肯定不是只学习技能，更重要的是活跃他们的表达思维，丰富他们的想象力，培养他们的感受力。而这些，肯定不是靠简单的临摹仿照能解决的。其次，孩子十岁之前的阶段正是思维活跃、想象大胆、不受太多客观束缚的阶段，这个时期是释放培养他们想象和思维以及感受力的黄金时期。如果在这个阶段，把注意力放在模仿和技法上而没有及时开发和培养他们的想象力和主动的思维表达能力，以后弥补会更加困难，实则是因小失大。再者，孩子，尤其是四五岁到七八岁的孩子天生具有提炼和创造形象的能力，他们画的形象可能不像、不好看，但足以形成自我的表达和丰富的叙事。而我们让孩子模仿的形象和画面往往又和孩子自身感受和理解没有太多关联，所以这种模仿的实际意义不大。最后，只是照着画会养成孩子画画时的依赖和惰性，从而不愿意尝试主动想象表现和写生。所以，也不难理解很多孩子在培训机构学了很长时间，只是临摹照着画，几乎没画过写生和创作。这样的情形下，孩子离开临摹的范画，往往就不会画了。按说这样瘸腿的培训学习不应该有太多市场，可事实却恰恰相反，这样的培训机构非常普遍，而且家长也还都挺接受。现实中，很多儿童美术培训机构只是让孩子照着画各种形象和画面，很少让他们主动创作。因为教孩子照着画比起教他们写生和主动创作容易得多，即便是一些复杂的形象和画面，临摹和照着画也相对容易。对很多家长来说，孩子画的是写生还是创作，是照抄临摹还是主动创作，在他们眼里没区别，只要是符合他们认为的画的效果好就可以。而满足这一要求最好的方法就是临摹和仿照。对机构来说，满足家长这种要求，只让孩子照着画所谓效果好的画就行了，身心省力。

巴蜀中学𐟟㤸‰峡博物馆写生课：初体验最近，巴蜀中学的初一年级学生们在三峡博物馆上了一堂特别的写生课。孩子们通过临摹古代雕塑和绘画，感受到了古代艺术的魅力。这样的课程已经成为了惯例，真是个不错的传统呢！在课堂上，学生们仔细观察了灰陶碎片和各种雕塑，仿佛穿越到了古代。他们不仅学习了如何用笔触捕捉雕塑的立体感，还了解了古代艺术家的创作灵感和技巧。其中，一幅名为《清明上河图》的作品特别引人注目。这幅画描绘了北宋都城汴京的繁华景象，以及汴河两岸的自然风光和市民的生活场景。通过这幅画，学生们不仅了解了宋代的历史文化，还感受到了古代城市的繁荣和市民的日常生活。另外，明代画家仇英的《清明上河图》也是课堂上的亮点。这幅画描绘了明代苏州的街道、店铺、城市建设以及市民的日常生活。画中共绘有两千多个人物，生动地展示了明代苏州的民风民俗。虽然这幅画是民间作坊所作的商品画，但其艺术水平非常高，绘制精良，涵盖了生产、生活、娱乐休闲等方方面面。通过这次写生课，学生们不仅提高了绘画技巧，还对古代艺术和历史文化有了更深的了解。这样的课程真是既有趣又有意义，期待下次还能有更多精彩的体验！

有了它，画禅绕画再也不愁了！收到这本书的时候，我简直惊呆了！这本大开本的书，接近400页，简直是宝藏啊！里面收录了几百张黑白花卉纹样，真的是应有尽有。这些图案纹样是历代匠人的智慧结晶，涵盖了陶器、青铜、石窟、庙宇、墓志、汉砖、敦煌壁画等各种文物，还有地毯编织、刺绣、玉雕石刻、陶艺瓷器等各种纹样。对于喜欢禅绕画和设计的小伙伴们来说，这本书简直就是创作的源泉。这些纹样有适合三角形的、正方形的、圆形的和六边形的，我们可以不断地组合和变化，创造出无限可能。这本书的内容非常通俗易懂，理论部分包括了图案和图案设计、花卉写生与临摹技巧、花卉变化法则。图案部分有800余幅花卉纹样，分为写生和变化两大类，其中花卉变化部分还按照外轮廓来分类。这些纹样都是从自然界提取素材写生的，也从历史中提取传统精华临摹的。我们可以从中学到前人花卉的技法、花卉变形的经验和内外思维逻辑。总之，这本书真的太棒了！这样一本详细的花卉写生和写生变化图鉴，值得我们好好欣赏、借鉴和收藏！

书法与国画的双重修炼：从线条到意境书法与国画，两者虽同源却异道。书法以文字为载体，铺开延伸；国画则以图画为形式，表现升华。书法是学习国画的基础，尤其在提升用笔技巧上有着不可估量的作用。记得当年临摹《芥子园画谱》时，张斌老师曾建议我加强书法练习。会义老师在教授书法时也强调：“习字应笔笔送到。”这些教诲一直萦绕在心头，多年来，我从未间断对书法的研习。从最初接触《九成宫》，到自学《曹全碑》、《宣示表》、《急就章》等，再到后来在了解宾虹老人的画论后，开始大篆的练习。虽然我不是书法家，但熟能生巧，随着书法技艺的提升，我在山水画中的用笔也发生了显著变化。《南台胜境》是我对家乡南台山景区写生稿的再创作。山石轮廓有了浓厚的书写意味，皴法也多了一分篆体书法用笔的古拙。这种变化，得益于我对书法的不懈追求和对国画艺术的深刻理解。

室内手绘7阶段，你到哪步了？ 𐟎蠧†Ÿ能生巧的七个阶段在室内手绘的道路上，熟能生巧是一个关键阶段。通过从广度到深度的探索，你的技法将变得更加熟练，对手绘的本质也会有自己的独特理解。这个阶段，你的创作将开始显现出个人的特质，进入完全创作的自由状态。在这个阶段，你可以轻松地从室内平面的任意角度推出效果图，并且透视图与平面图能够完美呼应。以下是达到这个阶段的关键步骤：大量的照片写生与临摹：通过大量的练习，你对空间的把握已经达到了熟能生巧的境界。平面推透视：这个过程需要前期的大量积累。不需要画面多么精细，只需清晰地表达出平面主要结构即可。空间透视能力：平面推透视需要你有较强的空间透视能力，以及对画面的艺术处理能力。这是室内效果图手绘学习的整个过程。你现在处于哪个阶段呢？